On situe l’art sonore, typiquement, quelque part entre les arts plastiques et la musique contemporaine et/ou électronique, ou entre objet et performance, sans pouvoir lui donner une place définie; il est «entre deux chaises», pour reprendre l’expression du critique musical Stefan Fricke. Cette identité floue implique une institutionnalisation complexe. Selon le point de vue adopté, on peut dire que l’art sonore fait entrer le sonore dans les arts plastiques ou, au contraire, qu’il fait entrer le visuel dans la musique. Son institutionnalisation est donc à double sens. Les festivals de musique contemporaine font de plus en plus la part belle aux installations sonores, et les musées et les galeries suivent le même mouvement — pourtant, les artistes qui réussissent à intégrer les deux circuits sont rares. Le son lui-même peut jouer des rôles différents. Ainsi, certains artistes sonores cherchent à libérer le son de l’hégémonie de la musique, tandis que d’autres incluent l’art sonore dans leur pratique de composition (musicale).

— Annelies Fryberger

Plutôt que de s’en remettre à des mesures qualitatives ou quantitatives pour déterminer si un objet artistique peut être qualifié de sonore ou non, on peut retenir, ainsi que le préconise le paradigme de l’écoute, que les sons sont des acteurs dans l’espace. Avec eux se précisent des parcours de l’ouïe à la vision, dans des nouages de la perception à l’action, dans les espaces ouverts de l’orientation et de la localisation. Le travail de l’art, selon cette approche, se situe dans la construction d’écarts, avec ces acteurs, opérant des décentrements perceptifs qui soulèvent des enjeux politiques et esthétiques que l’éthologie peut nous aider à mieux comprendre. Car l’art d’écouter, dans ces décentrements, permet aussi d’accorder d’autres valeurs aux sons, de considérer d’autres écoutes jusqu’à se détacher d’une position anthropocentrique.

— Christophe Kihm